El vintage dejó de ser solo ropa usada para convertirse en un espejo de nuestra época. En su sentido más directo, habla de piezas de décadas pasadas que conservan un valor estético, histórico y cultural. Hoy, vestirse con ropa de otra era es un ejercicio de memoria y estilo. Son prendas que funcionan como artefactos culturales, que nos recuerdan quiénes éramos y nos permiten cruzar la nostalgia con algo de rebeldía para construir quiénes queremos ser.
Esa búsqueda de algo único muestra (en sintonía con quienes ven en el vintage el último refugio de la autenticidad) que armar un estilo propio se volvió un gesto personal y caprichoso.
Claro que los análisis sobre el tema tienen sus matices. Si nos ponemos teóricos, Fredric Jameson planteaba que esta fascinación responde más bien a la dificultad de la sociedad actual para conectar con su propio presente, lo que lleva al mercado a echar mano sobre pasados estilizados. Esta postura dialoga con la idea de Simon Reynolds sobre cómo nuestra cultura parece atrapada en un bucle infinito de épocas anteriores. Pero también es posible mirarlo con otros ojos.
La especialista en estudios textiles Elke Gaugele lee en este rescate del armario antiguo un acto político y ético contra la inmediatez de la moda rápida, donde no se mira hacia atrás con melancolía, sino hacia adelante con responsabilidad.
El problema aparece cuando ese gesto choca con las reglas del negocio. Lo que antes pertenecía al circuito de la feria popular, la iglesia o el trueque como pura estrategia para llegar a fin de mes, hoy pasa por un filtro de curaduría que encarece las prendas y termina dejando afuera a quienes realmente dependían de esos espacios por una cuestión de bolsillo.
Pero si se busca con atención, todavía existe una red comunitaria viva como resistencia a la crisis, que va desde el perchero comunitario en un pasillo del segundo piso de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, con su cartel que invita a llevarse lo que necesitas, hasta iniciativas similares en el Bachillerato Popular Raymundo Gleyzer.
Lo que antes pertenecía al circuito de la feria popular, la iglesia o el trueque como pura estrategia para llegar a fin de mes, hoy pasa por un filtro de curaduría que encarece las prendas y termina dejando afuera a quienes realmente dependían de esos espacios por una cuestión de bolsillo
Esta capacidad de transformar la necesidad en un lenguaje visual potente tiene antecedentes honorables en la moda en Argentina, ligados al movimiento de los diseñadores del Bar Bolivia, a fines de la década del 80. El artista multifacético Sergio De Loof, revolviendo entre las montañas de ropas del Cottolengo, lograba convertir la precariedad en una forma de realeza y fundar un estilo, el Trash Rococó. “Había algo en el aire y él lo habilitaba, le daba forma”, me contaba Andrea Saltzman, arquitecta y docente titular en la FADU.
Pero la escena hoy se tensiona entre el entusiasmo del hallazgo y las trampas del mercado. El modelo de consignación en las ferias y galpones urbanos impone condiciones desiguales donde el pretendido «alivio económico» de la clase media se disuelve en un minirebusque con muy poco margen real. Del mismo modo, la promesa de la sustentabilidad corre el riesgo de volverse una ilusión.
La idea de «circularidad» a veces sirve apenas como excusa para seguir comprando sin culpa, dejando intacto el problema de fondo de la sobreproducción. Entre la fe en el futuro que impulsó la revolución juvenil de los años 60 y el no future del punk a fines de los 70, la juventud actual transita un momento muy distinto.
Sin acceso a los conocimientos de la confección duradera y la calidad tras décadas de oferta masiva, la noción misma de rebeldía se reconfiguró. Si la moda representa y visualiza las tensiones y debates de una época, en un mercado donde las ventas tradicionales caen mientras la indumentaria histórica se cotiza como un activo financiero (impulsado por subastas de moda que baten récords mundiales), atesorar lo que sobrevivió al tiempo es, al menos, una forma de recuperar la memoria de las cosas.
